Рубрика: Искусство

Кисти — главный инструмент художника . В разные времена живописцы пользовались кистями самых разнообразных форм: плоскими и круглыми, большими и маленькими, с острым концом и обрезанными, с длинным волосом и с коротким, торчащими во все стороны, как веник, и отточенными, как игла. Изготавливали кисти из меха различных животных: барсука, куницы, лисицы, суслика, колонка, белки, а также из свиной щетины. Сейчас выпускают еще больше и разнообразней  плоские и круглые и флейцы — широкие плоские кисти на короткой ручке, могут быть беличьи, колонковые, из ушного волоса домашних животных и из свиной щетины и синтетики. Синтетические и щетинные кисти предназначены для работы масляными красками,  могут быть использованы в живописи акриловыми, темперными, гуашевыми красками и в оформительском деле. Беличьи кисти, главным образом круглые, используют в акварели, реже для гуаши, акрила и темперы (эти краски должны быть жидкими). Если краска густая, эти кисти быстро изнашиваются. Колонковые кисти наиболее универсальны. Волос у них тонкий и упругий. Колонковыми кистями пишут и акварелью, и темперой, и акрилом, и даже жидко разведенными масляными красками. Кисти из ушного волоса пригодны для всех видов живописи. Но масляные краски и в этом случае должны быть сильно разбавлены. Флейц чаще всего делают из синтетики и свиной щетины, реже — из ушного волоса и беличьего меха. Флейцем удобно проклеивать и грунтовать холст, покрывать картину лаком, им пользуются также при монументальных росписях и декоративно — оформительской работе. Величина кисти обозначается номером. Номер плоских кистей и флейцев соответствуют их ширине в миллиметрах, а номера круглых кистей — выраженному в миллиметрах диаметру.

Итальянское слово «барокко» означает буквально «странный», «причудливый», и это соответствует особенностям художественного стиля, преобладавшего в конце ХVI до середины ХVIII в. в искусстве Европы. Стиль барокко тяготел к парадной торжественности и пышности.   Искусство барокко свойственны патетическая приподнятость образов, их напряженность, динамичность, страстность, смелые контрасты маcштабов, цветов, света и тени, совмещение реальности и фантазии, стремление к слиянию различных искусств в едином ансамбле, поражающем воображение. Городской ансамбль, улица, площадь, парк, усадьба стали пониматься как единое целое, раскрывающееся перед зрителем при его движении. Архитектура барокко отличается мощным пространственным размахом, сложностью беспокойных, сливающихся друг с другом, как бы текучих форм, криволинейностью планов и очертаний, связью с окружающим пространством. В изобразительном искусстве преобладали декоративные композиции религиозного, мифологического или аллегорического характера, парадные портреты; большое значение приобрели композиционные и оптические эффекты, ритмическое и цветовое единство, живописность целого, свободная, темпераментная творческая манера.    Искусство барокко сложилось и расцвело в Италии, получило распространение в Испании, Португалии, на юге Германии, в Австрии, Чехии, Словакии, Хорватии, на западе Украины, в Литве. Во Франции барокко слилось с классицизмом в единый пышный стиль.    В России реформы Петра I , в первой половине ХVIII в. способствовала расцвету искусства барокко, в котором отразилось не только стремление к новому образу жизни, но и широкие общественные настроения, чувство гордости за успехи государства и народа. Архитектура русского барокко достигла величественного размаха, большой цельности, динамичности в городских и загородных ансамблях Петербурга, Петергофа, Царского Села, Москвы — архитекторы В. Растрелли , Д. Ухтомский, С. Чевакинский.

Вслед за импрессионизмом во французской живописи конца ХIХ — начала ХХ в. возникли течения, получившие общее название «постимпрессионизм». Постимпрессионизм повысил интерес к философским и символическим началам искусства, к закономерной организации художественной формы — построению пространства, объема, к декоративной стилизации. При общих чертах творчество художников этого направления значительно отличается друг от друга. В этом отразилась атмосфера сложных, противоречивых поисков нравственных ценностей, которая характеризует период начинающегося кризиса европейской культуры.   Ведущий представитель постимпрессионизма — П. Сезанн стремился выявить величественную устойчивость и материальность мира, закономерность его структуры. Рядом с ним — голландец В. ван Гог. Его страстный социальный протест выразился в картинах, предельно напряженных по цвету, написанных порывистым, экспрессивным мазком. П. Гоген воплотил свои мечты о гармонии мира, поэтическом единстве человека и природы в картинах на темы быта и легенд Полинезии. Его творческие искания прокладывали путь символизму и стилю модерн, прямыми выразителями которых стали ученики Гогена (так называемая понтавенская школа , по названию деревушки в Бретани, где Гоген работал с учениками) и особенно его последователи из группы «Наби» (т. е. «пророки») — М. Дени, П. Боннар. Еще один крупный представитель постимпрессионизма — А. де Тулуз-Лотрек. В его полотнах и литографиях на темы быта парижской богемы (актеров, циркачей, завсегдатаев кафе) язвительная ирония подчеркнута выразительной остротой композиции, рисунка, цветового пятна. К постимпрессионизму причисляют так же течение неоимпрессионизма, называющееся также дивизионизмом (от французского слова «дивизионе» — «разделение») и пуантилизмом (от французского слова «пуант» — «точка»). Картины Ж. Сера, П. Синьяка, некоторые полотна К. Писсарро выписаны отдельными мазками правильной формы, наподобие точек или квадратиков.

Импрессионизм — направление в искусстве последней трети ХIХ — начала ХХ в., представители которого стремились запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, правдиво передать мгновения жизни. Импрессионизм (термин происходит от французского слова, означающего «впечатление») зародился в 1860-х годах во Франции, когда живописцы Э. Моне, О. Ренуар и Э. Дега внесли в искусство многообразие, динамику и сложность современного городского быта, свежесть и непосредственность восприятия мира. Для их произведений характерна кажущаяся неуравновешенность, фрагментарность композиции, неожиданные ракурсы, срезы фигур рамой.    В 70 — 80-х годах сформировался импрессионизм  во французской пейзажной живописи. Картины К. Моне, К. Писсарро, А. Сислея, написанные на открытом воздухе (пленэре) , передавали ощущение сверкающего солнечного света, объемные формы как бы растворялись в вибрации света и воздуха . Разложение сложных тонов на чистые цвета, накладываемые на холст раздельными мазками и рассчитанные на оптическое смешение их при восприятии  картины зрителем, цветные тени и рефлексы создавали беспримерно светлую, трепетную, воздушную живопись. Импрессионизм широко распространился в мировом искусстве. Присущий импрессионизму интерес к мгновенному движению, ускользающим впечатлениям, текучей форме восприняли и скульпторы — О. Роден во Франции, М. Россо в Италии. При своем появлении импрессионизм подвергся яростным нападкам официальных кругов и прессы, поскольку он нес новые темы и новые формы восприятия мира, в ряде отношений способствуя расширению реалистических принципов. Но в творчестве как самих импрессионистов, так и в особенности их последователей часто сказывался отход от анализа и оценки явлений социальной действительности.

Жанр — это исторически устойчивая форма образно — композиционной организации художественного произведения, возникающая и развивающаяся в зависимости от многообразия отражаемой в искусстве действительности и тех задач, которые ставит художник. Деление на жанры существует во всех видах искусства, но в разных искусствах имеет разные основания. В изобразительных искусствах оно ярче всего появляется в живописи. Здесь жанры различаются прежде всего по предмету изображения: изображение природы — пейзаж, вещей — натюрморт, человека — портрет, событий жизни — сюжетно-тематическая картина. В свою очередь каждая из жанров имеет свои внутренние подразделения — жанровые разновидности, которые иногда тоже называют жанрами. Так, пейзаж может быть сельский, городской, индустриальный; натюрморт — цветочный, со снедью, с бытовыми вещами; портрет — парадный, интимный, групповой. Жанровые разновидности сюжетно-тематической картины — историческая, батальная, бытовая, анималистическая, интерьер. Нередко в одном произведении искусства сочетаются черты нескольких жанров (так, в картину могут быть включены и пейзаж, и портрет, и натюрморт). Перечисленные жанры характерны и для графики.   В других видах изобразительного искусства деление на жанры не столь четкое и имеет несколько иные основания. Так, в скульптуре различаются портреты, композиции, монументы.   Наряду с жанрами каждый вид искусства имеет более крупные подразделения — роды: живопись станковая, монументальная, театрально-декоративная; скульптура станковая, монументальная и малых форм; графика станковая, книжная, газетно-журнальная, прикладная и т. д.   На протяжении исторического развития жанры изменяются, все более дифференцируются. Например, выделились такие жанровые разновидности, как архитектурный пейзаж, пейзаж — марина (изображение морских просторов), историко-революционная картина. Для искусства характерно богатство и многообразие родов, жанров и жанровых разновидностей, что отвечает задачам воспроизведения жизни во всей ее многогранности.

Свою цветовую окраску природа получает от солнца. В солнечном спектре насчитывается 7 цветов: красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий, фиолетовый. Если взять краски, подходящие к этим 7 цветам спектра, и начать их смешивать, то легко убедиться, что некоторые цвета спектра получаются смешением красок. Только три цвета — красный, желтый и синий — никакими смешениями составлены быть не могут и требуют самостоятельных красок, остальные же цвета спектра получаются смешением этих трех основных. Красная и желтая краски в смеси дают оранжевую, красная с синей дают фиолетовую, синяя с желтой — зеленую. Смешивая три основные краски в разных пропорциях, можно получить всевозможные оттенки коричневых, серых и других неярких цветов, вплоть до черного. Зная это, живописец не будет искать для каждого тона краску, а подумает о том, сколько в нужный ему тон войдет красного, желтого или синего. Но краски, смешанные одна с другой, часто теряют свою яркость. Трудно, например, получить смешением достаточно яркие оранжевые, зеленые и фиолетовые тона. Вот почему бывает необходимо иметь яркие красно — оранжевые, зеленые, голубые и фиолетовые тона. Может оказаться нужной и черная краска, если черная, составлена из красной, желтой и синей, окажется недостаточно темной. Так как в масляной живописи краски осветляются примесью к ним белил, живописец должен приучить свой глаз к изменениям, происходящим в красках от их разбеливания. Так, ультрамарин и краплак, положенные на белую поверхность прозрачным слоем, очень мало похожи на разбелы этих красок. Живописец требует очень тонкого и точного подбора тонов, а это дается только практикой.

В станковой живописи большую роль играет формат картины. Он также связан со стилем эпохи, с особенностями живописной техники, композиции, интерьера, для которого предназначена картина. Чаще всего художники предпочитают прямоугольный (вертикальный или горизонтальный) формат. Но он может быть и круглым (тондо), овальным или же сложных причудливых форм, например так называемые десюдепорты — декоративные композиции над дверями, широко применявшиеся в искусстве рококо. Столь же разнообразными могут быть и обрамления картин — рамы. Красочные мазки наносятся на холст, дерево, бумагу, картон и т. д., то есть какую — либо основу. Она обычно грунтуется специальными составами. Техника письма, ее особенности во многом зависят от свойств красок, инструментов (кисти, мастихин), растворителей. На приемы наложения красок большое влияние оказывает поверхность холста, которая может быть гладкой или  шероховатой, мелкозернистой и крупнозернистой и т. д. Грунт иногда просвечивает сквозь тонкий слой красок и тем самым влияет на колорит произведения, особенно если грунт цветной. Поверхность красочного слоя, то есть его фактура, может быть глянцевитой и матовой, слитной и прерывистой, гладкой и неровной. Здесь все зависит от манеры наложения мазков, задачи, поставленной перед собой живописцем. Необходимый цвет обычно достигается смешиванием красок на палитре. Но вплоть до конца ХIХ в. важнейшим приемом живописной техники были лессировки: поверх высохшего красочного слоя (обычно подмалевок) наносились тонкие слои прозрачных и полупрозрачных красок. Этим достигалась легкость и звучность тона, тончайшие оттенки и нюансы цвета. Во второй половине ХIХ в. появилась живопись раздельными мазками разного цвета, рассчитанными на оптическое смешение цветов, когда зритель рассматривает ту или иную картину на определенном расстоянии. Этой техникой пользовались импрессионисты. Неоимпрессионисты накладывали мазки на холст в виде отдельных цветовых точек. Эта техника получила название пуантилизма или дивизионизма.

Цвет придает произведениям живописи особую, по сравнению с другими видами изобразительного искусства, жизненность, делает изображение полнокровным и убедительным. Колорит это система соотношений цветовых тонов и их оттенков, образующих определенное единство. Колорит — одно из важнейших средств эмоциональной выразительности художественного образа в живописи. По характеру цветовых сочетаний он может быть спокойным или напряженным, теплым или холодным, светлым или темным. Колорит зависит также от степени насыщенности и силы цвета. Он может быть ярким, приглушенным, сдержанным, блеклым, и т. д. Для живописи нового времени характерно стремление к полной передаче цветовой картины мира, пространства и света, объема. В ней широко используется тон, может быть теплым или холодным, серебристым, золотистым и т. д. Интерес к световоздушной среде, обволакивающей предметы, привел к появлению валерной  живописи. Валер — это оттенок тона, во взаимосвязи с другими оттенками выражающий определенное соотношение света и тени и позволяющий тоньше и богаче показывать предметы в световоздушной среде. В живописи широко используются также рефлексы — влияние света и цвета какого — либо предмета, возникающее в тех случаях, когда на этот предмет падает отсвет от соседних предметов, неба и т. д.

По своему практическому назначению живопись разделяется на монументальную (монументальное искусство), станковую (станковое искусство), театрально-декорационную (театрально-декорационное искусство), декоративную роспись предметов домашнего обихода (декоративно-прикладное искусство), иконопись (иконопись, древнерусская иконопись), миниатюру, диораму, панораму. Каждая из разновидностей живописи отличается характером исполнения и спецификой художественных образов. Живопись различается также по характеру веществ, связующих пигментов, и по технологическим способам закрепления пигмента на поверхности. Это масляная живопись, фреска, темпера, энкаустика (восковыми красками), акриловыми красками и т. д. Появилось множество других техник. Непосредственно с живописью смыкаются мозаика и витраж. В некоторых случаях трудно провести границу между живописью и графикой. Отдельные произведения, выполненные в технике акварели, гуаши, пастели, акрила, могут относиться как к живописи, так и к графике. Главное выразительное средство живописи — цвет. Живопись оттенками одного цвета, например гризайль, употребляется редко. Обычно художник стремится воплотить образы во всем их красочном богатстве.